Введение......................................................................................................... 3
1. Теоретические аспекты высокого Возрождения в Италии...................... 5
1.1 Сущность высокого Возрождения в Италии...................................... 5
1.2 Искусство Высокого Возрождения в Италии..................................... 7
1.3 Высокое Возрождение в архитектуре................................................ 9
2. Представители Высокого Возрождения................................................. 13
2.1 Живопись Высокого Возрождения................................................... 13
2.1.1 Леонардо да Винчи..................................................................... 13
2.1.2 Микеланджело Буонарроти........................................................ 25
2.1.3 Рафаэль Санти............................................................................. 36
2.1.4 Тициан (Тициано Вечеллио)....................................................... 49
2.2 Выдающиеся архитекторы эпохи..................................................... 56
2.2.1 Браманте Донато......................................................................... 56
2.2.2 Сангалло Джулиано.................................................................... 58
2.2.3 Палладио Андреа........................................................................ 59
Заключение.................................................................................................. 61
Список использованной литературы.......................................................... 63
Второй период Возрождения -- время самого пышного развития его стиля -- принято называть «Высоким Р.» (Hochrenaissance); он простирается в Италии приблизительно от 1500 по 1580 г. В это время центр тяжести итальянского искусства, которое возделывалось дотоле, главным образом, во Флоренции, перемещается в Рим; благодаря вступлению на папский престол Юлия II, человека честолюбивого; смелого и предприимчивого, привлекшего к своему двору лучших артистов Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собою другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках, Рим становится как бы новыми Афинами времен Перикла: в нем созидается множество монументальных зданий, исполняются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся перлами живописи: при этом все три отрасли искусства стройно идут рука в руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства. Лучшие памятники, оставленные нам итальянской архитектурой этой блестящей поры -- опять-таки дворцы и вообще здания светского характера, большинство которых пленяет нас гармоничностью и величием своих пропорций, изяществом расчленении, благородством деталей, отделкой и орнаментацией карнизов, окон, дверей и пр., а также дворами с легкими, по большей части двухъярусными галереями на колоннах и столбах. Церковное зодчество, со своей стороны, стремится к колоссальности и внушительной величественности; отказавшись от средневекового крестового свода, оно почти постоянно пользуется римским коробовым сводом и любит купола, подпираемые четырьмя массивными столбами. Главным двигателем архитектуры Высокого Р. был Донато Браманте. Выступление на сцену Микеланджело Буонаротти, положившего надолго печать своего гения на все три образные искусства, обозначает в истории зодчества наступление самого полного расцвета стиля Р. Несравненные памятники его творчества в области архитектуры -- усыпальница семейства Медичи при црк. Сан-Лоренцо. во Флоренции, произведенная по его проекту застройка в Риме Капитолийского холма, с его зданиями, верхней площадью и ведущей на нее лестницей, и такое чудо в своем роде, как громадный по размерам и до крайности смелый по конструкции купол Петровского. собора. С 1550 г., в итальянском зодчестве заметна перемена, и именно более холодное, рассудочное отношение художников к их задачам, стремление еще более точно воспроизводить античные формы, систематическому применению которых посвящаются теперь целые трактаты; несмотря на это, возводимые сооружения продолжают отличаться высоким изяществом и ничем ненарушенным благородством. Главные представители этого направления, характеризующего вторую пору Высокого Р., суть живописец и биограф художников Дж. Вазари (дворец Уффици, во Флоренции), генуэзец Галеаццо Алесси (црк. Мадонны да Кариньяно и дворцы Спинола и Саули, в Генуе) и некоторые др. За пределами Италии, цветущая пора Р. наступила полувеком позже, чем в этой стране, и длилась до половины XVII стол. Стиль, выработанный итальянцами, проник всюду и пользовался везде почетом, но при этом, приноравливаясь ко вкусам и условиям жизни других национальностей, утратил свою чистоту и до некоторой степени легкость и гармоничность; тем не менее он выразился во многих прекрасных сооружениях, каковы напр. во Франции.
Первые три десятилетия культурного развития Италии в XVI в. на редкость богаты яркими талантами. Это время теснейшего взаимодействия различных сфер художественного и интеллектуального творчества на основе упрочившейся общности новых мировоззренческих позиций, а разных видов искусства — на основе новой, ставшей единой для всего их ансамбля стилистики. Культура Возрождения обрела в эту пору небывалую мощь и широкое признание в итальянском обществе, активно воздействуя на весь ход процессов культурного развития страны. В немалой степени этому способствовали успехи гуманизма, достигнутые к концу XV в. Гуманистический идеал свободной и гармонической личности, обладающей безграничными возможностями познания мира и созидательной деятельности, в пору Высокого Возрождения был с особой наглядностью воплощен в изобразительном искусстве и литературе, нашел новое осмысление в философской и политической мысли. Тогда же обрела зрелые формы и ренессансная эстетика, которая складывалась преимущественно на неоплатонической основе, но испытала также влияние поэтики Аристотеля. Эстетика обогащалась новыми идеями, рождавшимися в творчестве великих мастеров —Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, в сочинениях Бембо, Кастильоне, других писателей, в многочисленных философских трактатах о любви. Идеалы красоты и гармонии всесторонне осмыслялись и даже становились своеобразной нормой, воздействовавшей на самые разные виды творческой деятельности: внутренняя гармония и совершенство формы произведений стали характерной приметой эпохи. Близость эстетических подходов и художественного стиля, достигшего классических черт и выразительности, создавала определенное единство искусства и литературы, игравших ведущую роль в культуре Высокого Возрождения.
К ценностям Ренессанса активно приобщались не только придворно-аристократические круги, но и часть духовенства католической церкви. Меценатство стало весьма заметным социально-культурным явлением в Италии. В стране, где сохранялся государственный полицентризм, дворы правителей, привлекавших к себе на службу художников и архитекторов, литераторов и историков, политических мыслителей и философов, оказывались главнейшими средоточиями ренессансной культуры. В щедром меценатстве от правителей Милана и Неаполя, Мантуи и Феррары, Урбино и Римини не отставал и папский двор. В республиках Флоренции и Венеции развивалась традиция государственных заказов и частного покровительства деятелям культуры. В то же время система меценатства, ставшая для многих из них основным источником средств существования, налагала определенную печать на их творчество, заставляя учитывать интересы и вкусы заказчика.
Достигшая в пору Высокого Возрождения вершин своего развития, ренессансная культура не избежала кризисных явлений. Они очевидны в зарождающейся драматической напряженности художественных образов, позже дошедшей до трагизма, в горьком стремлении показать бесплодность даже героических усилий человека в борьбе с роковыми силами, противостоящими ему. Признаки наметившихся кризисных явлений складываются и в резко проявившихся в ту пору контрастах общественной мысли: рационализм и трезвый взгляд на действительность сочетаются с напряженными утопическими поисками идеального земного града.
Внутренние противоречия развития ренессансной культуры были вызваны прежде всего изменившимися историческими обстоятельствами, суровыми, ставившими под сомнение веру в возможности отдельного человека. Все более очевидный разрыв между гуманистическими идеалами и реальностью порождал кризисные явления в культуре, равно как и попытки их преодоления. С этим связано появление маньеризма — нового художественного направления в литературе и искусстве, характерными особенностями которого стали подчеркивание напряженной внутренней жизни человека, мистицизм, прихотливая фантазия. Маньеризм отказывался от строгой классической гармонии во имя грации или холодного великолепия образов, он прибегал к широкому использованию приемов великих мастеров Возрождения, но его артистическая виртуозность зачастую ограничивалась чисто внешними эффектами. Художественный язык маньеризма усложнялся, обретая черты вычурности, рафинированности, повышенной экспрессии. Эстетика маньеризма утверждала ориентацию не на «подражание» натуре, а на «преображение» ее. Это направление получило распространение преимущественно в придворно-аристократической среде, где оно решало главным образом декоративные задачи. С ним связано развитие парадно-аристократического портрета, росписи палаццо и вилл, садово-парковая архитектура, разработка костюмов, скульптурные произведения, а в литературе — прежде всего творчество поэтов. К концу столетия, когда стало зарождаться еще одно художественное направление — барокко, стилистическая неоднородность итальянской культуры оказалась одной из наиболее характерных ее примет.
Искусство Высокого Возрождения (Ренессанс) отразило переход к новому буржуазного образа жизни. В живописи наиболее широко отображался свет нового человека, его переживания. Объектом изображения становились не только герои, но и простые люди. Живопись приобретал демократического характера. Начал развиваться пейзажная живопись.
Понятие «Возрождение» происходит из трудов мыслителей нового времени, в частности Дж. Вазари, которые считали, что весь исторический период от существования Римской империи до появления нового мировоззрения был периодом упадка великой античной культуры. Поэтому именно мыслители первыми выступили под лозунгом ее возрождения.
Признаками Ренессанса стали:
— Гуманизм — направление общественной мысли, который был направлен на защиту достоинства и свободы человека;
— Реализм — видение мира таким, каков он есть;
— Эмпиризм — опыт как средство познания мира;
— Интерес к античной культуре, его идеализация;
— Критика феодализма и католицизма.
С конца XV в., Когда в передовых странах Европы развернулась борьба против феодального строя, наступила эпоха Высокого Возрождения. Началось невиданное подъем культуры. В Италии оно пришлось на конец XV — начало XVI в.
Виднейшими художниками и мыслителями возрождения были:
Донато Браманте (1444-1514) — главный архитектор папы Юлия II, который был автором проекта величественной архитектурной достопримечательности — собора Св. Петра в Риме.
Леонардо да Винчи (1452-1519) — один из выдающихся деятелей итальянского Возрождения. Никто не смогла достичь таких высот в различных областях: живописи, науке, инженерии, архитектуре, музыке, поэзии. Уже в 20 лет его признали и уважали как выдающегося художника. Известная картина да Винчи — портрет Моны Лизы («Джоконда») — поражает своей реалистичностью. На картине женщина словно сама рассматривает зрителей, будто стремится проникнуть в мысли, узнать их характер. Леонардо да Винчи равно воспринимал науку и искусство: после детального изучения проблемы делал много эскизов, чтобы найти верное решение.
3) Рафаэль Санти (1483-1520) — второй выдающийся представитель Высокого Возрождения в Италии. Его короткая жизнь была удивительно легким, полным успехов и всеобщего признания. Во время работы в Ватикане художник создал знаменитую скульптурную композицию «Афинская школа», в которой увековечил фигуры выдающихся античных философов и ученых. Значение этой картины заключается в том, что она будто подытожила изучения гуманистами античности. Духовную красоту человека Рафаэль передавал в портретах, многочисленных изображениях Мадонны. Вершиной творчества Рафаэля считается «Сикстинская мадонна» — один из последних его произведений.
4) Микеланджело Буонарроти (1475-1564) — флорентийский живописец, скульптор, архитектор. Главной темой его творчества стала идея борьбы. Пятиметровая скульптура «Давид» изображает юного воина перед сражением с Голиафом. Роспись потолка Сикстинской капеллы превозносит красоту человека в образе Адама, силу и могущество в образе бога Саваофа. Микеланджело участвовал в строительстве собора Св. Петра в Риме. Именно он разработал огромный купол этого сооружения.
Искусство Возрождения в Италии довольно сильно повлияло на развитие культуры в других странах Европы.
Бытовой жанр, наиболее популярный в голландской живописи, свидетельствует о приближенность этого искусства к реалиям жизни. Любимые темы художников взяты из быта бюргеров: это повседневные заботы хозяйки дома, сцены развлечений — игра, галантные беседы, угощения. Также предметом изображения были события из крестьянской жизни — бытовые сцены, изображения крестьян за работой. Небольшие по размеру, эти картины, однако, отличаются высоким качеством и мастерством исполнения.
Вершиной голландской живописи является творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606-1669). Кроме картин на библейские и мифологические сюжеты, он создал большое количество работ на заказ, в том числе множество портретов. В лучших картин художника принадлежит «Даная», в которой мифологический сюжет приобретает черты поразительной жизненной правды. В живописной манере Рембрандта ведущую роль сыграли контрасты светотени, приблизили изображение в реальной жизни. Величие художника оказалась и в том, что он обращался в своем творчестве к миру простых людей. Здесь Рембрандт нашел и мастерски воссоздал проявление сильных, искренних чувств. Творчество Рембрандта завершилась известным полотном «Возвращение блудного сына», что и сейчас поражает глубиной изображения человеческих чувств. Немало картин создал художник на исторические темы; также в его творчестве пейзажи, автопортреты.
Альбрехт Дюрер (1471-1528) — выдающийся немецкий художник, искусство которого отличалось от классического. Его вкусом стал рисунок-пейзаж, где были реалистично изображены животные, цветы, предметы быта. Известные портреты и автопортреты художника. Наибольшую известность ему принесли гравюры на библейские темы. В этих гравюрах Дюрер бы предусматривал близость и неизбежность грозных событий Реформации.
Развитие прогрессивных тенденций в искусстве Франции также достиг значительных успехов. В частности, выделяется творчество Никола Пуссена (1594-1665), посвященная античным и библейским сюжетам («Царство Флоры», «Снятие с креста»).
Зарождение и развитие принципов архитектуры Высокого Возрождения происходит в Риме, где на почве исканий предшествующего периода складывается единый общенациональный стиль. Исполненный величественности, монументальности и благородной сдержанности, он основывается на более смелом и свободном использовании классических ордеров античности. В Риме находит завершение архитектурный образ здания с центрально-осевой симметричной композицией, с пространством замкнутым и всесторонне развитым, этот образ как бы воплощает идеи героизма и величия страны.
Браманте. Основоположником нового стиля и крупнейшим его представителем в начале 16 века был Донато д'Анджело Браманте (1444—1514). Он начал творческую деятельность в Милане, но только с переездом в Рим, после ознакомления с памятниками античности, ему удалось придать своим сооружениям тот величаво-монументальный облик, который характеризовал новые принципы в архитектуре.
Эти принципы проявились со всей ясностью в первой римской работе Браманте — маленьком храме, так называемом Темпьетто, построенном в 1502 году во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио. Это круглое в плане купольное сооружение небольшого размера, с гармонически развитым объемом, с мягко круглящимся куполом. Три широких ступени служат основанием храму. Окруженный колоннадой римско-дорического ордера, поддерживающей антаблемент, Темпьетто производит впечатление монументального величественного здания строгих пропорций и полнокровных форм.
Став главным архитектором папы Юлия II, Браманте проводит огромные работы по реконструкции Ватикана, объединяя отдельные разрозненные постройки старого Ватикана и виллы Бельведер в единый монументальный комплекс. По его проекту возводятся длинные галереи, которые замыкают два больших парадных двора, расположенных на разных уровнях, украшенных нишами-экседрами и соединенных между собой открытыми лестницами.
Главное создание Браманте — проект собора святого Петра в Риме (1506), воплотивший замысел идеального центральнокупольного здания с симметричной композицией. И хотя заложенный по этому проекту собор в дальнейшем был перестроен другими строителями, его идеи нашли распространение в сооружениях многих итальянских зодчих. План собора представляет сочетание квадрата с греческим равноконечным крестом. Большой купол, венчающий здание, вырастает из массы более мелких объемов, образующих пирамидально построенную композицию,- Каждая часть ее имеет самостоятельное значение и в то же время подчинена целому. Браманте сыграл видную роль в развитии архитектуры палаццо. Он заканчивал сооружение палаццо Канчеллерия, заложенного в 1485 году еще до приезда Браманте в Рим зодчим А. Бреньо. Главенствующую роль приобрели в этом палаццо стены, облицованные плоским рустом, расчлененные в двух верхних этажах парными пилястрами. Тонко отделанные горизонтальные пояса и карниз подчеркивают монументальность и величественность здания.
Антонио да Сангалло. В римской архитектуре эволюцию палаццо завершает Антонио да Сангалло (1483—1546). В палаццо Фарнезе он оставляет руст по углам и в оформлении парадного въезда, оштукатуренные стены декорирует горизонтальными поясами, дает различные обрамления окон каждого этажа, сообщая зданию торжественность и нарядность.
К середине 16 столетия, когда Высокое Возрождение сменяется в ряде областей этапом позднего Возрождения, в Италии возникает ряд академий, в частности Витрувинская академия (около 1530), деятели которой стремились теоретически обосновать закономерности архитектуры античного Рима, изучали трактат Витрувия. К этому времени относится создание таких теоретических трудов, как «Правила пяти архитектурных ордеров» (1562) Джакомо Виньолы и «Четыре книги по архитектуре» (1570) Андреа Палладио. В это время рождаются черты академизма и канонизации основ римской античной архитектуры, проявляются тенденции к декоративности и живописности, к пространственности решений, предвосхищающих архитектуру барокко.
Палладио. Новые черты находят выражение в творчестве Андреа Палладио (1508—1580), теоретика, исследователя и крупнейшего практика-строителя второй половины 16 века. В отличие от Браманте, искавшего в античном зодчестве формы для переработки, Палладио видел в античности идеал, который стремился оживить в своих сооружениях.
Получив образование в кругу североитальянских гуманистов, Палладио пополнил его в Риме изучением памятников античности. У него появляется тяготение к классической норме, строгой симметрии фасадов и планов, но при этом его искусство остается жизнеутверждающим, полным исканий, проявляясь в богатстве красочного и светотеневого решения. Палладио — мастер пластических и световых акцентов.
Он завершает начатый флорентийцами процесс переработки феодального дворца в городской дом. В его архитектуре дом становится частью улицы, элементом городского ансамбля. Палладио создает также новый тип загородной виллы, в которой объединяются парадные и жилые помещения с хозяйственными, он тонко сочетает здание с окружающими его просторами сельской природы.
Торжественной монументальностью и благородной величавостью отличается сооруженная по его проекту беломраморная Базилика в Виченце (1549—1614), служившая и городской ратушей и зданием суда. Используя основу постройки 15 века, Палладио окружил ее двухъярусной галереей, Творчество Палладио, возвышенная красота его образов, их благородное величие, их парадность, чувство меры, а также и теоретический трактат, им созданный, оказали огромное воздействие на развитие архитектуры, во многом обусловив характер архитектуры классицизма в Англии, Франции и России.
Эпоха Высокого Возрождения (конец XV — первая четверть XVI в.) — время совершенства и свободы. Как и другие виды искусства этой эпохи, живопись отмечена глубокой верой в человека, в его творческие силы и мощь его разума. В картинах мастеров Высокого Возрождения царят идеалы красоты, гуманизма и гармонии, человек в них — основа мироздания.
Живописцы этого времени с легкостью используют все средства изображения: колорит, обогащенный воздухом, светом и тенью, и рисунок, свободный и острый; они прекрасно владеют перспективой и объемами. Дышат и движутся люди на полотнах художников, глубоко эмоциональными кажутся их чувства и переживания.
Эта эпоха дала миру четырех гениев — Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, Тициана. В их живописи черты Высокого Возрождения — идеальность и гармония, соединившись с глубиной и жизненностью образов, — проявились наиболее ярко.
15 апреля 1452 г. в небольшом итальянском городке Винчи, что расположился неподалеку от Флоренции, у нотариуса Пьеро да Винчи родился внебрачный сын. Назвали его Леонардо ди сер Пьеро д’Антонио. Мать мальчика, некая Катерина, немного позже вышла замуж за крестьянина. Отец не отказался от незаконнорожденного малютки, взял его на воспитание и дал хорошее образование. Через год после смерти деда Леонардо, Антонио, в 1469 г. нотариус уезжает с семьей во Флоренцию.
Уже с ранних лет у Леонардо пробуждается страсть к рисованию. Заметив это, отец отдает мальчика в обучение к одному из самых известных в то время мастеров скульптуры, живописи и ювелирного дела Андреа Верроккьо (1435-1488). Слава мастерской Верроккьо была необычайно велика. От знатных жителей города постоянно поступало множество заказов на выполнение картин и скульптур. Андреа Верроккьо не случайно пользовался большим авторитетом у своих учеников. Современники считали его самым талантливым продолжателем идей флорентийского Ренессанса в живописи и скульптуре.
Новаторство Верроккьо как художника связано прежде всего с переосмыслением образа, который приобретает у живописца натуралистические черты. Из мастерской Верроккьо до наших дней дошло очень мало произведений. Исследователи считают: знаменитое «Крещение Христа» было создано именно в этой мастерской. Кроме того, установлено, что пейзаж на заднем плане картины и ангелы в левой ее части принадлежат кисти Леонардо.
Уже в этой ранней работе проявилась творческая индивидуальность и зрелость будущего знаменитого художника. Пейзаж, написанный рукой Леонардо, заметно отличается от картин природы кисти самого Верроккьо. Принадлежащий молодому художнику, он словно окутан легкой дымкой и символизирует собой безграничность и бесконечность пространства.
Образы, созданные Леонардо, также самобытны. Глубокое знание анатомии человеческого тела, а также его души позволило художнику создать необычайно выразительные образы ангелов. Мастерское владение игрой света и тени помогло художнику изобразить живые, динамичные фигуры. Создается впечатление, будто бы ангелы лишь застыли на какое-то время. Пройдет еще несколько минут — и они оживут, будут двигаться, разговаривать…
Искусствоведы и биографы да Винчи утверждают, что к 1472 г. Леонардо оставляет мастерскую Верроккьо и становится мастером в цехе живописцев. С 1480 г. он обращается к скульптуре, являвшейся, по мнению Леонардо, самым простым способом выражения динамики движений человеческого тела. С этого времени он работает в академии искусств — так тогда называли находящуюся в саду на площади Сан-Марко мастерскую, созданную по инициативе Лоренцо Великолепного.
В 1480 г. Леонардо получает от церкви Сан-Донато Скопето заказ на художественную композицию «Поклонение волхвов».
Во Флоренции Леонардо прожил недолго. В 1482 г. он уезжает в Милан. Вероятно, на это решение большое влияние оказало то обстоятельство, что художник не был приглашен в Рим для работы над росписью Сикстинской капеллы. Так или иначе, вскоре мастер предстал перед герцогом знаменитого итальянского города Людовико Сфорца. Миланцы радушно встретили Леонардо. Он поселился и долгое время прожил в квартале Порта Тичинезе. А уже в следующем, 1483, году он пишет алтарный образ, заказанный для капеллы Иммаколата в церкви Сан-Франческо Гранде. Этот шедевр стал позднее известен под названием «Мадонна в скалах».
Примерно в это же время Леонардо работает над созданием памятника из бронзы для Франческо Сфорца. Однако ни наброски, ни пробные эскизы и отливки не смогли выразить замысла художника. Работа так и осталась неоконченной.
В период с 1489 по 1490 г. Леонардо да Винчи ко дню бракосочетания Джана Галеаццо Сфорца расписывает Кастелло Сфорцеско.
Почти весь 1494 г. Леонардо да Винчи посвящает новому для себя занятию — гидравлике. По инициативе того же Сфорца Леонардо разрабатывает и осуществляет проект по осушению территории Ломбардской равнины. Однако уже в 1495 г. величайший мастер изобразительного искусства возвращается к живописи. Именно этот год становится начальным этапом в истории создания знаменитой фрески «Тайная вечеря», которая украсила стены трапезной комнаты монастыря, расположенного у церкви Санта-Мария делле Грацие.
В 1496 г. в связи с вторжением в Миланское герцогство французского короля Людовика XII Леонардо покидает город. Он переезжает сначала в Мантую, а затем поселяется в Венеции.
С 1503 г. художник живет во Флоренции и вместе с Микеланджело работает над росписью Зала Большого Совета в Палаццо Синьории. Леонардо должен был изобразить «Битву при Ангиари». Однако мастер, постоянно находящийся в творческом поиске, часто бросает начатую работу. Так случилось и с «Битвой при Ангиари» — фреска осталась недописанной. Искусствоведы предполагают, что именно тогда и была создана знаменитая «Джоконда».
С 1506 по 1507 г. Леонардо вновь живет в Милане. С 1512 г. там правит герцог Максимилиан Сфорца. 24 сентября 1512 г. Леонардо решает уехать из Милана и поселиться со своими учениками в Риме. Здесь он не только занимается живописью, но и обращается к изучению математики и других наук.
Получив в мае 1513 г. приглашение от французского короля Франциска I, Леонардо да Винчи переезжает в Амбуаз. Здесь он живет до самой смерти: пишет картины, занимается художественным оформлением праздников, ведет работы по практическому применению проектов, направленных на использование рек Франции.
2 мая 1519 г. великий художник умирает. Леонардо да Винчи похоронен в амбуазской церкви Сан-Фьорентино. Однако в период разгара религиозных войн (XVI в.) могила художника была разрушена и полностью уничтожена. Его шедевры, считавшиеся вершиной изобразительного искусства в XV-XVI вв., являются таковыми и по сей день.
Среди полотен да Винчи особое место занимает фреска «Тайная вечеря». История знаменитой фрески интересна и удивительна. Ее создание относится к 1495-1497 гг. Она была написана по заказу монахов доминиканского ордена, пожелавших украсить живописью стены трапезной в своем монастыре, расположенном у церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане. На фреске был отображен достаточно известный евангельский сюжет: последняя трапеза Иисуса Христа с двенадцатью его апостолами.
Этот шедевр признан вершиной всего творчества художника. Созданные мастером образы Христа и апостолов необычайно ярки, выразительны, живы. Несмотря на конкретность, реальность изображенной ситуации, содержание фрески оказывается наполненным глубоким философским смыслом. Здесь получила воплощение вечная тема конфликта добра и зла, благодушия и душевной черствости, правды и лжи. Выведенные образы — это не только совокупность индивидуальных черт характера (каждый отдельный человек во всем многообразии его темперамента), но еще и своеобразное психологическое обобщение.
Картина очень динамична. Зрители реально ощущают волнение, охватившее всех присутствующих на трапезе после сказанных Христом пророческих слов о предстоящем предательстве, которое должен будет совершить один из апостолов. Полотно оказывается своеобразной энциклопедией самых тонких оттенков человеческих эмоций и настроений.
Леонардо да Винчи закончил работу на удивление быстро: спустя всего лишь два года картина была полностью завершена. Однако монахам она не понравилась: слишком уж отличалась манера ее исполнения от принятого ранее стиля живописного письма. Новаторство мастера заключалось не только и не столько в использовании красок нового состава. Особое внимание приковывает к себе способ изображения перспективы в картине. Выполненная в особой технике, фреска как бы расширяет и увеличивает реальное пространство. Создается впечатление, будто бы стены комнаты, изображенной на картине, являются продолжением стен трапезной монастыря.
Монахи не оценили и не поняли творческого замысла и достижений художника, потому они не слишком заботились о сохранении картины. Уже спустя два года после написания фрески краски ее стали портиться и потускнели, поверхность стены с нанесенным на нее изображением казалась задернутой тончайшей материей. Произошло это, с одной стороны, из-за плохого качества новых красок, а с другой — вследствие постоянного воздействия сырости, холодного воздуха и пара, проникавшего с кухни монастыря. Внешний вид картины был окончательно испорчен тогда, когда монахи решили прорубить дополнительный вход в трапезную именно в стене с фреской. В результате картина оказалась обрубленной в нижней части.
Попытки отреставрировать шедевр проводились начиная с 13 столетия. Однако все они оказались тщетным, краска продолжает разрушаться. Причиной тому в настоящее время является ухудшение экологической ситуации. На качестве фрески сказывается повышенная концентрация выхлопных газов в воздухе, а также летучих веществ, выбрасываемых в атмосферу фабриками и заводами.
Сейчас можно говорить даже о том, что ранние работы по реставрации картины оказались не только ненужными и бессмысленными, но и имели свою отрицательную сторону. В процессе восстановления художники часто дописывали фреску, изменяя внешний вид персонажей, представленных на полотне, и изображенного интерьера. Так, недавно стало известно, что один из апостолов первоначально не имел длинной, загнутой кверху бороды. Кроме того, черные полотна, изображенные на стенах трапезной, оказались не чем иным, как небольшими коврами. Только в XX в. удалось это выяснить и частично восстановить их орнамент.
Современные реставраторы, среди которых заметно выделялась группа, работавшая под руководством Карло Бертели, решили восстановить первоначальный вид фрески, освободив ее от элементов, нанесенных позднее.
Тема материнства, образы молодой матери, любующейся своим ребенком, долгое время оставались ключевыми в творчестве великого мастера. Истинными шедеврами являются его полотна «Мадонна Литта» и «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа»). В настоящее время «Мадонна Литта» хранится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге. Картина была куплена русским императором Александром II в 1865 г. у семьи итальянского герцога Антонио Литта, к которому ранее она перешла в дар от герцогов Висконти. По приказу русского царя картина была переведена с дерева на полотно и вывешена в одном из залов знаменитого петербургского музея.
Ученые-искусствоведы полагают (и научные исследования доказали это), что работа над созданием картины не была завершена самим автором. Дописал ее один из учеников Леонардо, Больтраффио.
Полотно является самым ярким выражением темы материнства в живописи периода Возрождения. Образ Мадонны-матери светел и одухотворен. Взгляд, обращенный на младенца, необычайно нежен, он одновременно выражает и грусть, и умиротворение, и внутреннее спокойствие. Мать и дитя здесь как бы образуют свой собственный, неповторимый мир, составляют единое гармоничное целое. Сквозную мысль картины можно выразить следующими словами: два живых существа, мать и ребенок, заключают в себе основу и смысл жизни.
Образ Мадонны с ребенком на руках монументален. Законченность и утонченность придает ему особый, плавный, переход света и тени. Нежность и хрупкость фигуры подчеркнута драпировками накинутого на плечи женщины плаща. Изображенные на заднем плане картины окна уравновешивают и завершают композицию, подчеркивая отъединение двух близких людей от остального мира.
Полотно «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа»), примерно 1478 г., было выкуплено у ее последних русских владельцев царем Николаем II в 1914 г. специально для Эрмитажа. Ранние ее обладатели остались неизвестными. Существует лишь легенда, рассказывающая о том, что в Россию картину привез итальянский бродячий актер, после чего она была куплена в Самаре в 1824 г. купцом Сапожниковым. Позднее полотно перешло по наследству от отца к дочери, М. А. Сапожниковой (по мужу — Бенуа) , у которой ее и выкупил император. С тех пор картина носит два названия: «Мадонна с цветком» (авторское) и «Мадонна Бенуа» (по фамилии последней владелицы).
Картина, на которой представлена Богоматерь с младенцем, отражает обыкновенные, земные чувства матери, играющей со своим ребенком. Вся сцена построена на контрасте: смеющаяся мать и ребенок, со всей серьезностью изучающий цветок. Художник, заострив внимание именно на этом противопоставлении, показывает стремление человека к знаниям, первые его шаги на пути к истине. В этом и заключена главная идея полотна.
Игра света и тени задает особый, интимный тон всей композиции. Мать и младенец находятся в своем собственном мире, оторванном от земной суеты. Несмотря на некоторую угловатость и жесткость изображенных драпировок, кисть Леонардо да Винчи узнать достаточно легко по плавным, мягким переходам оттенков используемых красок и светотеневым сочетаниям. Полотно написано неяркими, спокойными красками, выдержанными в едином цветовом строе, и это придает картине мягкий характер и вызывает ощущение неземной, космической гармонии и спокойствия.
Леонардо да Винчи — признанный мастер портрета. Среди наиболее известных его полотен — «Дама с горностаем» (примерно 1483-1484) и «Портрет музыканта».
Искусствоведы и историки предполагают, что на полотне «Дама с горностаем» изображена Чечилия Галлерани, бывшая фавориткой миланского герцога Людовика Моро до его женитьбы. Сохранились сведения о том, что Чечилия была очень образованной женщиной, что являлось большой редкостью в то время. Кроме того, историки и биографы знаменитого художника полагают также, что она бы
postmaster@kursovik1.ru
RUB
UAH
USD